En esta primera entrada post-veraniega tenía previsto hablar de Ray Davies de los Kinks, que ya tocaba hacerle la genuflexión al maestro, pero ayer me acosté con la terrible noticia de la muerte de Bernardo Bonezzi y sentí que los planes debíancambiar. Tarde, muy tarde llega a este y otros blogs el reconocimiento a este outsider del pop español. En este país tan amigo del homenaje póstumo en forma de parabienes y loas publicas, siempre se reivindica al artista llegado el fatal desenlace y no cuando realmente es el momento.
Madrileño hijo de un italiano y una brasileña llevaba por definición en los genes una vocación cosmopolita que propinó un bofetón al ambiente aún provinciano y tardofranquista del Madrid de finales de los 70. Había mucho de Bowie, Bolan y Ferry en él, pero como una esponja recogía y digería esas influencias y conseguía con su talento transmutarlo en algo nuevo y…
No se me ocurre un ejemplo más claro de mal karma o ley del Talión («ojo por ojo, diente por diente») que salir de fiesta en cualquier localidad de nuestra geografía y comprobar la venganza en diferido y en forma de «música» que nos tenía preparada América latina para agradecernos la colonización y tropelías con las que les obsequiamos en su día.
Por muy crueles que fueran nuestros antepasados, que según dice la Historia lo fueron, es desproporcionada la replica y el regalo envenenado con el que tenemos que lidiar cinco siglos después para poder tomar una miserable copa en un ambiente no hostil: Perreos, electrolatino, trap, reggaeton, pachanga, cumbias, bachatas y demás hierbas y gozaderas varias en eventos de DJ al aire libre donde antes había conciertos y en bares de toda la vida donde antes pinchaban rock, pop, funk, punk, soul, indie, grunge, disco y donde convivían en un mismo espacio y en perfecta armonía Depeche Mode, Blur, Radio Futura, Doors, Smiths, U2, Massive Attack, Police, Pearl Jam, James Brown, Daft Punk, REM, Talking Heads, Queen, Prince, Stones, Blondie, Pretenders, Ramones, The Clash, White Stripes, Bowie, New Order, Los Planetas, Strokes, The Cure, Van Morrison, Sade, Nina Simone o tantos otros nombres de cualquier género, tipo o época digna del nombre de música.
Chascarrillos y teorías de la conspiración aparte, gran parte de la culpa es nuestra por que muchos de sus terroristas en nómina tienen pasaporte español y al fin y al cabo nadie nos obligó a plegarnos a lo que dicta Miami (el Mordor desde donde se dirige la industria internacional hoy en día). Llegados a este punto simplemente me pregunto: ¿Estamos idiotas, hemos perdido el norte, el criterio, el gusto, la clase, el sentido, la cordura, la conciencia de quiénes somos y de dónde venimos… o qué coño nos pasa?
¿Cómo hemos llegado a esto en un país del que han salido tantas bandas y músicos enormes, un país donde estábamos siempre con la antena conectada para recibir todo lo interesante que venía de fuera y donde la MÚSICA CON MAYÚSCULAS (expresión de señor mayor, lo reconozco) enlatada o en directo era una liturgia y una forma de unir a propios y extraños? Aquello que nos daba tanta vida y que nos ayudaba a descubrir y relacionarnos con el mundo ahora no tiene cabida en las cabinas de ninguna ciudad española. Nos han pegado de la noche a la mañana y sin anestesia un cambiazo a lo Mortadelo que nos provoca nauseas a todos los que tenemos memoria, sensibilidad, capacidad de emocionarnos con una canción y oídos además de orejas.
No me vale el argumento de que por ser la música urbana del s.XXI todo es válido y cuestión de gustos, por que además de ser falso la opción de elegir música en las noches de nuestro país salvo honrosas excepciones ya no existe y los locales que perseveran y aguantan son como la aldea gala de Asterix, un reducto, una anécdota y una rareza con mucho mérito pero sin brebaje mágico para competir en igualdad de condiciones.
Hay otras escenas musicales paralelas como la electrónica (eso da para otro capítulo, que menuda jungla capaz de aunar lo mejor y lo peor de un estilo es esta) y el indie nacional, pero todo lo demás el maitre de Miami lo ha sacado del menú y apenas consigue sobrevivir en salas y festivales muy puntuales sin tener por asomo el alcance que tiene esta mierda de importación prefabricada, esta abominación empaquetada y lista para el consumo y el olvido inmediato en busca de la urgencia y descartando por completo la emoción.
Este producto de radio-formula para barras y fiestas patronales de baja estofa ha desplazado en la práctica a la música de occidente de varias generaciones y se vende como un regalo de América latina cuando no tiene nada que ver con el enorme legado que Brasil, Cuba, México, Jamaica y otros países del entorno nos han dejado en forma de Bossanova, Son, Samba, Jazz, Reggae, Tropicalismo y demás derroches de imaginación hechos sonidos. Ya no se trata bajo un mínimo criterio objetivo de su falta de calidad manifiesta, ni de su estructura repetitiva y monocorde, ni de sus textos vacíos o sentimentaloides en el mejor de los casos o misóginos, chabacanos y de barrio chungo en los peores, sino que nos quieren hacer comulgar con la idea de que esa música calentita, vital y papichulesca tan simple triunfa por sencilla… Y hay un abismo entre el concepto sencillez y simplicidad.
La música tanto culta como popular, clásica o contemporánea, al igual que otras artes es una de las manifestaciones sociales y culturales más bellas que definen al humano como ser creador, pero todo apunta a que para sobrevivir a esta invasión pasar por una lobotomía o alinearnos intelectualmente con el chimpancé va a ser la única salida.
Lo triste es que si comentas el estado de las cosas a los que no vivieron o se enteraron de lo que teníamos y perdimos además «te miran mal», como le decía Alaska a Loquillo en aquella inolvidable canción llamada “El Ritmo Del Garaje”.
Y pensar que hasta hace cuatro días el karaoke nos parecía el acabose, quién nos ha visto y quién nos ve.
El Psychobilly es una fusión de géneros de música rock que mezcla elementos del punk rock, el rockabilly y otras hierbas. Este subgénero del rockabilly a veces también incluye trashabilly, punkabilly, surfabilly y gothabilly. Música muy asociada con la fiesta de Halloween que tenemos encima. El psychobilly se caracteriza por unas letras que acostumbran a tratar sobre ciencia ficción, el horror y las películas especialmente de terror, la violencia, el sexo más espeluznante y otros temas considerados tabú, aunque normalmente con un tono desenfadado, como en una comedia. Generalmente el psychobilly se basa en tres instrumentos esenciales: el contrabajo (ocupa el lugar del bajo eléctrico), la guitarra eléctrica y la batería. Adquirió cierta popularidad en Europa a partir de los años ochenta, pero en Estados Unidos esto no sucedió hasta finales de los 90. Desde entonces, el éxito de varias bandas notables ha llegado a su máxima popularidad atrayendo la atención internacional para el género.
A partir de 1972 y desde Sacramento (California) los Cramps como autenticos precursores del género supieron conjugar el primitivo rockabilly y el garage de los’60s con el por ese momento naciente punk rock basándose en un sonido muy característico, marcado por la guitarra fuzz de Poison Ivy y la inconfundible voz de Lux Interior.
Todo mezclado con una estética entre película de serie B, sexo masoquista y glamour cutre de Las Vegas. Aunque ellos no aceptan la etiqueta psychobilly por que no les gusta que se les encasille el género sería impensable sin ellos y su revisión del rock & roll de los 50´s será la principal influencia del futuro revival rockabilly y el garage de los 80.
Primera ola, Gran Bretaña
3 y 4. THE METEORS
The Meteors, formada en el sur de Londres en 1980, se consideran la primera banda de psychobilly como tal. Sus álbumes In Heaven (1981) y Wreckin Crew (1983) son reconocidos como puntos de referencia de los primeros años del género.
5. THE SHARKS
The Sharks, formados en Bristol en 1980, fue un grupo de corta vida siguiendo de cerca a The Meteors, que nos dejaron su influyente álbum Phantom Rockers.
6. GUANA BATZ
Otra banda británica significativa fue Guana Batz, formada en Middlesex en 1983. Su primer vinilo, de 1985, Held Down, ha sido descrito como «el lanzamiento más importante desde The Meteors».
Segunda Ola, Europa
La segunda ola de psychobilly comenzó con la revisión del género que la banda Demented Are GO realizó en su álbum debut Sickness & In Health de 1986.
7. DEMENTED ARE GO
El género se extendió rápidamente por toda Europa, inspirando en una serie de nuevos grupos como los alemanes Mad Sin, y los daneses Nekromantix, formados en la segunda mitad de la década de 1980.
8. NEKROMANTIX
La segunda ola de bandas amplió la base de seguidores, con la introducción de diversidad de nuevas influencias musicales en el psychobilly. Sellos discográficos como Nervious y Crazy Love, también ayudaron, aunque el género todavía seguía siendo un gran desconocido en los Estados Unidos, con una escena de lo más modesta. Si bien otras tendencias juveniles británicas cruzaron a los Estados Unidos durante la década de 1980 (como los skinheads o ska, entre otros), el psychobilly no lo hizo. Sin embargo, el grupo Reverend Horton Heat, formado en Dallas, Texas, en 1985, que emulaba el estilo en su sencillo de 1990, «Psychobilly Freakout», ayudó a introducir el género entre el público norteamericano. La banda estaba fuertemente inspirada por The Cramps, y es considerada por miembros de The Cramps como una de las bandas más auténticas de la escena.
9. REVEREND HORTON HEAT
Tercera ola, internacional
La tercera oleada de psychobilly comenzó a mediados de la década de 1990, con muchos grupos que incorporan influencias de hardcore punk, indie rock, heavy metal, new wave, rock gótico, el surf rock, country y el ska. El psychobilly se hizo bastante popular en los Estados Unidos, particularmente en el sur de California, donde el punk rock ya estaba bien consolidada. En California, ayudaron especialmente la numerosa comunidad latina, al igual que la popularidad de bandas de rock «terrorífico» (como los Misfits, Social Distortion) y su celebración del hot rod y de la cultura motera.
La gran banda de esta época es Tiger Army, formados en San Francisco en 1995, a partir de la publicación de su disco debut, en 1999. Su gira para promocionar el álbum ayudó a establecer focos de aficionados en otros Estados de los Estados Unidos. La sede de Hellcat Records, en Los Ángeles, dirigida por Tim Armstrong de Rancid, se convirtió también en el hogar de muchas bandas.
10. TIGER ARMY
El género siguió su progreso en Europa, donde nuevas bandas continuaron apareciendo en los años noventa; como Asmodeus desde Ámsterdam, los franceses Kryptonix o los daneses Batmobile.
11. BATMOBILE
En al actualidad el Psychobilly goza de excelente salud y hay grandes ejemplos por todo el mundo como los japoneses Battle of Ninjamanz o los brasileños Os Catalepticos. Uno de los paises donde más grupos están saliendo es Australia con ejemplos como los Manic Pistoleros, Firefall, los Bone Rattlers o The Baddies que practican una suerte de Psycoville hardrockero.
12. THE BADDIES
Si el Psychobilly nació como un género amalgama de varios estilos, en la actualidad sigue cruzandose con más músicas y dando lugar a mestizajes tan interesantes como estos. Psychobilly con tintes surf con el grupo de Alabama Man or Astroman:
13. MAN OR ASTROMAN
Psychobilly con garage y psicodelia con los alemanes THE MAGNIFICENT BROTHERHOOD
14. THE MAGNIFICENT BROTHERHOOD
Psychobilly con tintes tex-mex.
15. TITO & TARANTULA
16. Acabamos con THE METEORS para cerrar el circulo, grupo ideal para bailar Wrecking Dance
Los punks hacen pogo y los metaleros hacen mosh. Hay muchos estilos musicales que están ligados a un tipo de baile en concreto. Y en el caso de los psychobillies no es distinto. El wrecking pit wrecking dance es el baile psycho por excelencia. Se trata de bailar mientras empujas con los antebrazos hacia afuera mientras giras y te mueves empujando a la gente, creando visualmente un baile violento que en realidad es mucho más inofensivo que un pogo o un mosh. Se dice que se creó este baile para que las chicas pudieran bailar de una forma más «ruda» sin despeinarse sus perfectos recogidos.
El power pop es un género de música popular que se inspira en el pop y el rock británico y americano de la década de los 60. Melodías contundentes, voces claras y armonías vocales nítidas, arreglos muy sutiles y riffs de guitarra poderosos. Los solos se mantienen al mínimo y los elementos de blues tan característicos del rock se minimizan en gran medida. Si bien su impacto cultural ha sufrido altibajos durante décadas, el power pop es uno de los subgéneros de rock más perdurables.
Se considera que el power pop moderno surgió en los primeros ’70 con los discos del grupo Badfinger, banda que reinterpretaba el sonido inicial de los Beatles y que llegó a ser producida por el propio Paul McCartney y a grabar sus primeros discos en el sello del grupo de Liverpool, Apple Records. Aunque no obtuvieron gran repercusión comercial, fueron una pieza clave en el desarrollo del género.
La banda The Raspberries fue la primera catalogada como power pop en la revista Rolling Stone. Su música, con la que obtuvieron un importante éxito en EE. UU., combinaba el sonido de los grupos de los ’60 con enérgicas guitarras eléctricas.
Otro grupo esencial fueron Big Star, quienes también recuperaban la frescura del mejor pop de la década anterior y se convertirían en grupo de culto, influyendo a multitud de bandas posteriores.
Otros artistas importantes durante este periodo fueron Todd Rundgren, Blue Ash, Artful Dodger o The Records.
A Principios de los 70 The Nerves y The Beat tenían el mismo cerebro Paul Collins, un maestro del Power Pop afincado en Madrid con el que tuve el gusto de tocar hace unos años en una Jam session.
Todos estos grupos coincidían en recibir gran influencia de las bandas de la invasión británica, algo que estaba considerado pasado de moda en una época dominada por la exhibición del virtuosismo del rock progresivo y el hard rock, o por el soft rock de artistas como The Carpenters.
El éxito comercial
A finales de los ’70 y comienzos de los ’80, el género vivió su época más prolífica coincidiendo con el auge del punk y la new wave, con los que tenía muchas más similitudes que con los géneros anteriormente citados. Los grupos estadounidenses más importantes en esta época fueron The Cars, Dwight Twilly, Plimsouls, The Romantics, The Flamin’ Groovies, Cheap Trick y The Knack, quienes obtuvieron un enorme éxito en todo el mundo con su canción «My Sharona».
Otros grupos relacionados con el género y que obtuvieron un notable éxito durante y después de los ’90 fueron Lemonheads y Weezer y sobre todo Myracle Brah. De su obra maestra de 1998 “Life on Planet Earsnop” se podría elegir cualquier canción, pero en el programa de radio vas a escuchar nuestra favorita de ese disco.
La década de los 2000 y posteriores
El Power Pop sigue muy en forma en el cambio de milenio como lo demuestran los trabajos de Eugene Edwards, Wonderminst, Gigolo Aunts, Splitsville, Sloan, Phill Angotti, Fountains of Wayne, etc.
A finales de los 70 y principios de los 80, bajo el influjo de gente como David Bowie o Bryan Ferry, y en oposición a la ética y estética del punk, nació un movimiento en Inglaterra que se denominó New Romantics y que aunaba estética, actitud y música.
Supuso en su momento un soplo de aire fresco que buscaba el glamour y que definió a un montón de grupos musicales que estaban a punto de salir en aquella época.
La estética era muy característica; en muchos casos los ropajes trataban de emular los trajes de finales del siglo XIX. Barroquismo en los detalles, pelos cardados y un maquillaje excesivo solían hacer acto de presencia, ya que lo que se buscaba era volver a una elegancia que se había perdido.
En lo tocante a la música la principal característica fue el uso de sintetizadores, por eso la mayoría de los grupos de este movimiento tenían un toque electrónico.
Vamos a recordar a alguno de ellos dejando de lado a otras bandas a las que se les engloba en este movimiento como Depeche Mode, Talk Talk, Simple Minds, A-Ha, A Flock of Seagulls, Eurythmics, etc que aunque compartieron época y lugar iban por otros derroteros.
Un nuevo programa de radio en Grotesco Records, esta vez hablamos sobre pop orquestado, barroco, de cámara o como prefiráis llamarlo. Arrancamos en los 60 y nos detenemos bien entrados los años 2000 del siglo pasado.
El pop barroco es un género de música derivado del pop psicodélico surgido a mediados de los años 1960 que se caracteriza por utilizar arreglos orquestales o instrumentos propios de la música clásica como violines, violonchelos, flautas, arpas, trompetas, así como antiguos teclados como el clavicémbalo, órgano y la celesta, instrumentos característicos del barroco. Esta denominación engloba a grupos como The Left Banke, The Zombies, o The Association. También se emplea para calificar el sonido de los Beach Boys a partir de su disco Pet Sounds (obra cumbre del pop barroco), así como para ciertas canciones de otros artistas de los 60’s como Los Beatles en sus famosos álbumes de 1966 Revolver, con temas como «For no One» y «Eleanor Rigby», y de 1967 Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band con «She’s Leaving Home».
También con este sonido preciosista destacaron Donovan, los Rolling Stones con el éxito «Lady Jane» de su LP Aftermath y su Between the Buttons o Love, especialmente en su disco Forever Changes, así como la banda británica Kaleidoscope (banda de Reino Unido) con su disco «Tangerine Dream». Es la denominación que se da en la actualidad a la música con estas características. Los artistas más importantes que se pueden calificar de esta manera son Belle & Sebastian, The Divine Comedy, Lana del Rey, Camera Obscura, Kings of Convenience, The High Llamas, The Decemberists, Sufjan Stevens, Arcade Fire, Hidden Cameras, Antony and the Johnsons, The Last Shadow Puppets, Florence and The Machine, etc.
Próximamente en el blog un especial con canciones de los 60 hibernadas, olvidadas o directamente perdidas y que merecen ser rescatadas de ese retiro que impone la memoria o la falta de perspectiva.
Todas sonarán el sábado 15 de Febrero en el primer programa «SerieB songs en Grotesco Radio» el cual un servidor presentará por cortesía de los chicos de Grotesco Records:
The Kinks son con poco margen para la discusión y por méritos propios, discurso e influencia la tercera banda inglesa de todos los tiempos. Por detrás pero no a eones de distancia de las dos elecciones más obvias (Beatles y Stones) y por delante de luminarias como The Who, Pink Floyd, Queen, Smiths, Genesis, Small Faces, Black Sabbath, The Jam, King Crimson, Police, Madness, Radiohead, Depeche Mode, Joy Division o cualquier otra formación británica legendaria que te venga a la mente.
Quizás Led Zeppelin por su alcance en las generaciones posteriores de Hard Rockers o The Clash – por su mágica amalgama de géneros y cimentación del activismo político en la música contemporánea – podrían aspirar a disputarles esa plaza en el podio, pero a pesar de que me encanten ambos si yo estuviese en ese hipotético consejo de sabios encargado de dirimir la cuestión no sería necesaria la Photo Finish.
A pesar de no haber sido nunca tratados comercialmente como realmente se merecían y ser de facto la gran banda más infravalorada de la historia, consiguieron meter en cuatro décadas multitud de singles y LP en los Top 20 ingleses y americanos. La falta de sociabilidad de los «Davies Brothers» a los que muchos consideraban tipos algo huraños les perjudicaría en el largo plazo, pero son la élite de la aristocracia del rock y así serán recordados a poco que impere el sentido común. Es tal la cantidad de material brillante que han soltado que su legado es inagotable y de obligado repaso o bien de descubrimiento iniciático si aún tienes la suerte de bucear y paladear por primera vez en su discografía.
Ray Davies, su compositor y alma mater es el cronista británico por excelencia, nadie ha descrito como él ese típico ADN inglés, sin la menor complacencia y sin escatimar en sátira e ingenio a menudo bañados en un poso de melancolía y languidez. Su mirada única repleta de humor negro tiene la elocuencia de un buen observador, su lírica y su ironía sustentada en una voz única y maravillosa son pura cultura popular y recuerdo y memoria imborrable de varias generaciones.
Si las peleas entre Noel y Liam Gallagher te parecieron épicas no puedes ni imaginarte las grescas que han tenido los dos hermanos Davies en décadas de actividad musical. Ray, el mayor, un tipo introvertido, bastante controlador, dictatorial y narcisista, pero poseedor de uno de los talentos creativos más apabullantes de la historia del siglo XX siempre estuvo al lado y a la vez enfrente de Dave, un guitarrista orgulloso, fresco, genuino, preciso, con nervio (suyos son los endemoniados riff y los power chords de You Really Got Me que muchos atribuyen como el germen del heavy metal y el punk) y más preocupado por pasarlo bien que por buscar un billete a la introspección y a los viajes al interior del alma como los que caracterizaban a su hermano.
Se dice que en los Kinks era Ray quien escribía sobre la vida mientras Dave la vivía.
Separados desde 1996 y con discos en solitario desde entonces cualquier reunión parece imposible, no solo por cuestiones de salud y la edad que se gastan, sino especialmente por una relación enquistada en el tiempo, turbia y enrarecida por interminables rencillas y luchas fratricidas que se ejemplifican en anécdotas como cuando Ray – guiado por su instinto de genio y único dueño del Scattergories que era el grupo- le ocultaba partes de guitarra a Dave en la mezcla final de algunos discos o en uno de los últimos cumpleaños de su hermano menor le estampó la tarta en la cara, travesuras bastante comunes en eventos de este tipo, pero algo menos habituales cuando los protagonistas tienen más de 60 años.
Los Kinks y más concretamente Ray compusieron perlas pop a la altura o superiores a las de los Beatles, juguetearon con la Psicodelia antes que ellos, que Pink Floyd, Byrds, Pretty Things y tantos otros adalides del ácido e insertaron música tradicional hindú en una canción pop See My Friend antes que los de Liverpool en Norwegian Wood. Fueron inigualablesmezclando la ternura melódica de una nana con la fiereza del garage más descarnado, salpicaron sus canciones con cabaret, music hall o bossa cuando así se lo pedía el cuerpo, inauguraron en los 70 la moda de las operas rock y álbumes conceptuales y se alinearon con corrientes más duras y a veces sonrojantes como el AOR en la década posterior… Tremendos.
Aunque los 60 son sin duda su momento de esplendor siempre han ido sobrados de recursos y no hay un álbum de ellos que no tenga mil espejos a los que asomarse o un aroma que te embriague.
Vamos en orden cronológico con algunas de mis canciones favoritas de esta enorme banda:
You Really Got Me (1964)
See My Friend (1965)
Don’t Ever Change (1965)
Till The End Of The Day (1965)
I Need You (1965)
Tired Of Waiting For You (1965)
Nothin’ In The World Can Stop Me Worryin’ ‘Bout That Girl (1965)
Too Much On My Mind (1966)
Sunny Afternoon (1966)
Waterloo Sunset (1967)
Lazy Old Sun (1967)
Day’s (1968)
Lola (1970)
The Way Love Used To Be (1971)
Celluloid Heroes (1972)
Headmaster (1975)
No More Looking Back (1975)
Sleepless Night (1977)
Stormy Sky (1977)
Misfits (1978) Álbum completo, por que él lo vale.
En esta primera entrada post-veraniega tenía previsto hablar de Ray Davies de los Kinks, que ya tocaba hacerle la genuflexión al maestro, pero ayer me acosté con la terrible noticia de la muerte de Bernardo Bonezzi y sentí que los planes debíancambiar. Tarde, muy tarde llega a este y otros blogs el reconocimiento a este outsider del pop español. En este país tan amigo del homenaje póstumo en forma de parabienes y loas publicas, siempre se reivindica al artista llegado el fatal desenlace y no cuando realmente es el momento.
Madrileño hijo de un italiano y una brasileña llevaba por definición en los genes una vocación cosmopolita que propinó un bofetón al ambiente aún provinciano y tardofranquista del Madrid de finales de los 70. Había algo de Bowie, Bolan y Ferry en él, pero mientras recogía y digería como una esponja esas influencias conseguía a la vez con su inmenso talento transmutarlo en algo nuevo y sorprendente.
Responsable tras su fugaz paso por Kaka De Luxe de dos de los discos más extraños, frescos, surrealistas y audaces del pop español con los Zombies, grupo que fundó con tan solo 13 años, y gracias a su pasión por el cine y su recámara creativa llena de genio e intelecto viró posteriormente hacia la composición de bandas sonoras, brillando en las películas de Almodovar de los años 80. En los 90 dejó su inimitable impronta trabajando con otros directores llegando a recibir un Goya por la música de Nadie hablará de nosotras cuando hayamos muerto. Fue también autor de sintonías de series de TV, trabajo menor pero necesario para un obrero de la música, que dejó algunos momentos más memorables que otros pero siempre interesantes.
Más dotado como compositor que como interprete la imaginación de Bernardo especialmente con el trabajo en los Zombies trascendía el contexto y los modos de la época y facturaba un ejercicio de estilo que conforman una de las perlas de la New Wave a nivel mundial. Si a esto le añadimos la imagen que tenían, los coros y los bailes de Tesa y las magníficas aportaciones del resto de la banda el cóctel resultante era irresistible.
Fue mi primo Gonzalo (gracias allí donde estés) el que me descubrió su primer disco cuando yo solo tenía nueve años y, aunque a esa edad no está uno para hacer ningún análisis sesudo, recuerdo quedarme inmediatamente atrapado en el microcosmos de un tipo que escribía letras a años luz de los demás compañeros de generación, que cantaba de una forma un tanto peculiar con una dicción imperfecta y que envolvía esa colección de canciones con unos arreglos tan marcianos como fascinantes. No entendía nada, pero no podía abstraerme de algo tan loco. El tiempo ha demostrado que la sombra de ese disco ha sido más que alargada para el indie español contemporaneo.
32 años después aún guardo como oro en paño ese vinilo que heredé de mi primo.
Vamos a dar un repaso al Extraños Juegos que salió en 1980. Escuchado en 2012 puede resultaros algo naif y quizás ingenuo, pero sigue siendo tremendamente moderno y visionario, a la altura o por encima de referentes internacionales como Devo.
ZOMBIES – EXTRAÑOS JUEGOS
ZOMBIES – CONTACTO EN ZURICH
ZOMBIES – ORQUIDEAS MARCHITAS
ZOMBIES – ALOHA (ATARDECER EN EL PACÍFICO)
ZOMBIES – NO PUEDO PERDER MI TIEMPO
ZOMBIES – LA VENGANZA DE TCHULU
ZOMBIES – CLEOPATRA Y LA SERPIENTE
ZOMBIES – LA ENERGÍA DE PLUTÓN
Dos años después llegó el segundo y último álbum de los Zombies, La Muralla China. Quizás no tan inspirado como el anterior pero con un buen puñado de pelotazos New Wave exóticos y seductores, coqueteos orientales, funk desaforado, paisajes oscuros, incursiones tropicales ya apuntadas en su primera obra… más pinceladas de magia Bonezzianas.
ZOMBIES – LA MURALLA CHINA
ZOMBIES – LA MASCARA DEL CHAC
ZOMBIES – LA VUELTA DE APOLO
ZOMBIES – INTRIGA SUBMARINA
En 1984 salió al mercado Bönezzi – St. Loüis, un álbum tibiamente apreciado por la críticatan elegante y hermoso como ninguneado por las listas. Concebido por Bernardo y apoyado en Didi St. Loüis,una por entonces (y ahora) desconocida cantante jamaicana que parece que se la tragó la tierra.
El disco sufrió un batacazo en ventas y salvo su presentación en el mítico programa La Edad De Oro de TVE y alguna promo en la misma caja -menos- tonta de entonces, no tuvo mayor repercusión. Esta incomprensión resultó serla puntilla que empujó a Bonezzi a encerrarse y dedicarse a componer sus bandas sonoras desde bambalinas.
Bonezzi & St Louis – Banderas
Bonezzi & St Louis – Pecado de Amor (live)
Recluido en los años 90 en su estudio pariendo magníficas bandas sonoras:
Bernando Bonezzi – Mujeres al borde de un ataque de nervios
Bernando Bonezzi – El amor perjudica seriamente la salud
Bernando Bonezzi – Entre Las Piernas
En la pasada década sacó al mercado la jugosa trilogía La hora del lobo (2004), La hora azul (2006) y La hora del té (2007) y tras El viento sopla donde quiere (2010)este mismo año había publicado un nuevo disco llamado La Esencia De La Ciencia que venía acompañado de una vuelta a los escenarios después de varias décadas de ausencia. Aún no lo tengo muy asimilado y aunque perdura en él su toque maestro es un disco irregular, así que lo dejamos reposar y lo comentamos en otro momento.
Esto y mucho más era Bernardo Bonezzi, infravalorado e injustamente recordado por el gran público tan solo por la maravillosa «Groenlandia».
Ahora ya conocéis un poco más de su obra, mientras ella viva Bernardo siempre permanecerá.
Empezaré el artículo advirtiéndote con cara seria y como si fuera un antiguo maestro de escuela, que si aún no tienes su disco Starfish de 1988 ya vas tarde, vende tu alma al diablo si hace falta para conseguirlo.
No vale con escucharlo en streaming, tienes que poseerlo, abrazarlo, darle cariño y prometerle amor eterno y él te recompensará con creces para el resto de tu vida. Fruslerías como ese marcapasos que te insertaron al nacer, o un botijo frio en El Rocio, serán a partir de ahora menos relevantes para ti que esta inspirada colección de canciones. Eso si lo que realmente te da vida es la buena música.
Después y si te apetece aumentar la familia dandole unos hermanos, ya podemos añadir al menos otros cuatro títulos enormes de esta banda australiana como elHeyday,elGold Afternoon Fix , el Priest=Aura o el recienteUntitled #23, pero elStarfishes innegociable.
Vamos con algunas canciones de aquel maravilloso álbum y seguimos «en capilla»:
THE CHURCH – ANTENNA
THE CHURCH – DESTINATION
La misma canción tocada en directo en la RAI italiana, no tiene una gran calidad de audio ni de vídeo pero ilustra cómo se las gastaban sin necesidad del menor artificio de estudio:
THE CHURCH – DESTINATION (Version directo TV)
THE CHURCH – REPTILE
THE CHURCH – HOTEL WOMB
THE CHURCH – NORTH, SOUTH, EAST AND WEST
Y por supuesto «Bajo La Vía Láctea», lo más parecido que nunca tuvieron a un hit masivo y votada en varías encuestas como la mejor canción australiana del siglo XX:
THE CHURCH – UNDER THE MILKY WAY
Los Church son el típico ejemplo de injusticia humana y divina en la ya por definición injusta «industria» de la música, una propuesta que lo tiene todo a nivel cualitativo pero que incluye algo que rechina y no encaja del todo en los gustos masivos del consumidor tipo. Entraron por la puerta de atrás con una promoción inicial titubeante por parte de EMI agravada por el poco interés de su líder en conceder entrevistas, pero sospecho que van más allá los motivos y la conjura de factores que desembocaron en que nunca hayan estado donde se merecen.
Eran – y siguen siendo por que aún están en activo – mucho más sofisticados, complejos y menos digeribles que la media, las letras hablaban de estados alterados de conciencia, de mitos y fantasía, la música era un «pelín underground» para los cánones del momento y ellos se mostraban irreductibles cuando se les pedía desde su compañía discográfica que enseñasen su cara más comercial. Nunca buscaron ser una fabrica de éxitos ni quisieron casarse con nadie, apostaron por seguir una línea de coherencia y honestidad que les relegó a grupo de culto cuyos seguidores nos contamos por cientos de miles en vez de millones, pero que a cambio los veneramos y defendemos a capa y espada. Son únicos, mágicos, inimitables, enigmáticos, un derroche constante de estilo y poesía.
Su evolución parte de un arranque new wave y neo-psicodelico en sus orígenes pasando por una suerte de Pop/Rock progresivo en su etapa intermedia hasta el cuasi Space-Rock ampuloso de los últimos disco. Nunca han dejado de crecer sin dejar de ser ellos mismos.
Se sacaron de la chistera unas enormes atmósferas envolventes y delays combinados con reverberaciones antes de que U2 popularizasen la formula en los 80. Iban por delante y desde luego podrían darles hoy en día unas cuantas lecciones a Muse, Coldplay y otras luminarias británicas actuales de lo que significa épica con clase, sin excesos o recursos populistas. Mientras ellos surcan océanos, gran parte de sus imitadores -confesos o no- son incapaces de salir de la charca.
Os propongo una pequeña selección de mis canciones favoritas entre la treintena de discos que llevan publicados. No te olvides como siempre de poner los vídeos de Youtube a la máxima calidad con el volumen «al 11» para no perderte los pequeños matices y sobre todo, tomártelo con calma, no es plan de meterse casi 35 años de leyenda en una dosis rápida.
El primer single de su primer álbum de 1981Of Skins And Hearts en una toma actual orquestada:
THE CHURCH – THE UNGUARDED MOMENT
Del disco de 1982The Blurred Crusade:
THE CHURCH – ALMOST WITH YOU
El mismo tema desnudo solo con una guitarra acústica, el autentico detector de Rayos-X en el proceso de composición para averiguar si una canción es buena o no:
THE CHURCH – ALMOST WITH YOU (Versión acústica)
THE CHURCH – TO BE IN YOUR EYES
Del discode 1983 Seance:
Esto es darle empaque a un estribillo sin verlo venir desde la estrofa:
THE CHURCH – IT’S NO REASON
Del disco de 1984 Remote Luxury:
THE CHURCH – SHADOW CABINET
THE CHURCH – NO EXPLANATION
Del disco de 1985Heyday:
THE CHURCH – MYRRH
THE CHURCH – TANTALIZED
Si le preguntases a una inteligencia artificial cómo es un tornado gigantesco o una tormenta de arena en el desierto de proporciones bíblicas, seguro que imaginaría que tendría un sonido similar a la intro de esta toma en directo:
THE CHURCH – TANTALIZED (Versión con orquesta)
THE CHURCH – TRISTESSE
THE CHURCH – COLOMBUS
THE CHURCH – AS YOU WILL
Del disco de 1990Gold Afternoon Fix:
THE CHURCH – METROPOLIS
THE CHURCH – PHAROAH
THE CHURCH – YOU’RE STILL BEAUTIFUL
THE CHURCH – TERRA NOVA CAIN
Del disco de 1992 Priest=Aura:
THE CHURCH – PARADOX
THE CHURCH – FEEL
THE CHURCH – FILM
Del disco de 1996Magician Among The Spirits:
THE CHURCH – WELCOME
Del disco de 2002After Everything Now This:
THE CHURCH – REPRIEVE
THE CHURCH – RADIANCE
Del disco de 2006Uninvited, Like The Clouds:
THE CHURCH – DAY 5
Del disco de 2009Untitled #23:
THE CHURCH – HAPPENSTANCE
THE CHURCH – OPERETTA
THE CHURCH – SUNKEN SUN
Para acabar este extenso recorrido (se nota que me pierden) en busca de la canción perfecta entre su discografía, acabo con la famosaUnder The Milky Wayen directo en 2010 con motivo de su entrada en el ARIA Hall Of Fame australiano, algo así como la versión marsupial del Hall Of Fame americano, que dicho sea de paso después de más de tres décadas de carrera sigue mirando hacia otro lado sin reconocerles sus méritos. Ingratos.
THE CHURCH – UNDER THE MILY WAY (ARIA Hall of Fame 2010 live)
Como bola extra, si tienes un rato y un buen nivel de inglés no te pierdas el discurso de este evento por parte de su cantante y bajista Steve Kilbey, una buena muestra de qué gente tan especial se trata:
A mediados de los años 80 apareció casi de la nada este dúo suizo con un bombazo que literalmente se comió la listas de éxito del viejo continente, llegando incluso a entrar dentro de los exclusivos 16 primeros puestos del Billboard americano.
Escuchado en 2012 y a pesar de la terrible producción de batería electrónica propia de la época, aún sigue manteniendo ese aura de misterio, de elegancia, de decadencia. La canción planea sobre un bonito riff de piano con arreglos de saxo y consigue crear gracias también a la cruda pronunciación germánica del cantante una atmósfera realmente única. A mi personalmente me sugiere calles lluviosas de alguna vieja ciudad europea, gabardinas, calles empedradas, edificios majestuosos, mujeres sofisticadas, intrigas palaciegas… Posiblemente a ti solo una canción ochentera sonrojante, estás en tu derecho.
Parece música de dormitorio en una década plagada de buenos ejemplos, pero es mucho más que eso, es una sensibilidad especial de las bandas que surgieron en Centro- Europa -otro día hablamos de esto- que hace tiempo ya desapareció.
La formula no era nueva y Raise the Dragon (Después rebautizados como «Intimate Strangers») con The Blue Hour ya habían apuntado hacia esa dirección en 1984, pero con resultados algún escalón por debajo:
RAISE THE DRAGON – THE BLUE HOUR
En 1987 Double sacaron su segundo álbum Dou3le pero el éxito ya no les sonrió a pesar de contener interesantes canciones. Visto el panorama se separaron, uno de ellos siguió una discreta carrera como solista y el otroel camino directo a la morgue de un ataque al corazón, por tenerlo tan grande.
Agúdo por su manera de abordar temas filosóficos y espirituales en sus letras y agúdo por su tesitura de voz, una de las más altas y expresivas de la historia del pop.
Miembro fundador de Supertramp se fue de una banda cuyos discosCrime Of The Century y Breakfast in America tuvieron tal impacto que se calcula que en uno de cada diez hogares en Norteamérica hay al menos una copia.
A palos desde los 80 con Rick Davies – el otro 50% creativo de su antiguo grupo – fue imposible juntarlos para la gira del 40 Aniversario de la banda en el 2010. Aunque ni Roger ni Rick lo han confesado abiertamente, la primera canción de cada uno de sus discos tras la separación bien podrían habérsela dedicado mutuamente. Entre otras cosas, “Cannonball” de Rick Davies habla de “un mentiroso en quien puse toda mi confianza” y “Had a Dream” de Hodgson de “un hombre a quien no se puede mirar a la cara”.
Se adoran, vaya.
Una autentica pena puesto que aunque componían por separado el catálogo de la banda, la magia que creaban entre ambos daba momentos como este:
Genios de las texturas son posiblemente la banda más importante e influyente de las aparecidas en el último tramo del siglo pasado. Han construido un microcosmos en el que si consigues entrar todo en él es inspirador y fascinante. Les encanta asaltar al oyente con sus peculiares estructuras narrativas y armónicas, con sus taciturnas atmósferas, con su inventiva lírica y especialmente con una emoción subyugante con la que han conseguido atrapar a toda una generación y vender más de 30 millones de discos.Si, son más raros que un perro verde, pero su alcance es universal.
Vanguardistas, independientes, sofisticados, experimentales y alternativos hasta el paroxismo son unos autenticos renovadores del lenguaje del rock.
Hasta los no iniciados reconocen lo especiales y mágicos que son, pero para descifrarlos y amarloshay que aceptar su código. No es fácil entrar en el mundo de Radiohead, pero una vez dentro es muy difícil que alguien te arranque de sus entrañas.
No puedo ni se elegir una sola canción o un momento de su trayectoria, así que sírvete tú mismo y apaga la luz al salir.
RADIOHEAD – BLOW OUT (1992)
RADIOHEAD – SUBTERRANEAN HOMESICK ALIEN (1997)
RADIOHEAD – EXIT MUSIC (FOR A FILM) (1997)
RADIOHEAD – MORNING BELL (2000)
RADIOHEAD – KNIVES OUT (2001)
RADIOHEAD – I WILL (2003)
RADIOHEAD – IN RAINBOWS LIVE FROM THE BASEMENT (2008)
El gran inspirador de los malditos, retratista lúcido -que no sobrio- de los excesos de la sociedad contemporánea, padre del rock alternativo con la Velvet Underground y responsable de la convivencia en un mismo espacio de lo más terrible y lo más hermoso.
Lou Reed no es para los tibios o los que se asustan con lo sórdido y lo trágico. Es una fuerza creativa tan apabullante que escuchar discos como Transformer o Berlin te convierten en muy poquita cosa y aún así no puedes dejar de darle las gracias por hacerte partícipe de tal experiencia.
Ha tocado en sus canciones todos los temas que no sueles encontrarte en un capitulo de los Los Lunnis, aunque estos en el fondo den más miedo: Violencia, prostitución, adicción a las drogas, suicidio, aislamiento …todo lo que ser refiere a inadaptación está en su imaginario.
Fuente de vivencias y experiencias inagotable reflejadas para siempre en los surcos de sus discos y de su cara. Nadie sabe a ciencia cierta si escribió esta canción a su primera mujer, a la heroína, a la amargura, a la nostalgia o a la prima de riesgo, pero escucharla una tarde de domingo es querer que nunca llegue el lunes, cosa que por otra parte no tiene gran mérito.
Desde la Gran Manzana (New York, no Apple) el señor Lou Reed…
El trovador del Otoño en constante lucha contra su inseguridad, su insomnio, sus depresiones y la falta de reconocimiento en su época. Combatiendo la fragilidad y los golpes de la mar con canciones a veces desnudas y otras engalanadas con los mejores trajes. Gigante pero quebradizo, frágil pero con una obra sólida que ha perdurado mucho más allá de lo que él pudo compartirla en vida.
Si no tienes el cuerpo para jotas, adminístratelo con precaución, cala hasta los huesos.
ELECTRIC LIGHT ORCHESTRA – CAN’T GET OUT OF MY HEAD (1974)
Mencionarle el nombre de la Electric Light Orchestra a un melómano supone lo mismo que pedirle que pronuncie cinco veces«Candyman» delante de un espejo a la luz de una vela, o bien se acojona, o se parte de risa o lo que es más probable te ignora y te manda a paseo. El caso es que ya casi nadie se los toma en serio.
Arrancaron en los 60 con una primera banda llamada The Move y en los 70 fueron un autentica sensación con sus discos multiplatino llenos de suntuosos arreglos orquestales. La leyenda se afianzó gracias a sus grandilocuentes espectáculos en directo con OVNI incluido en el escenario a modo de tejadillo (lo sé, un cerdito hinchable era mejor idea pero ya se la había apropiado para sí Pink Floyd) aunque el tiempo pasa y no han envejecido bien.
Hoy en día a casi cualquier persona humana se le atraganta la E.L.O. gracias a los deméritos de su líder y compositor Jeff Lyne que, además de lo excesivo y férreo que era a veces con su propia banda repitiendo patrones estéticos, en su faceta de productor se cargó discos de gente tan poco sospechosa como Tom Petty, Roy Orbison o George Harrison, consiguiendo con su impronta que todos sonaran igual.
Aún así y asumiendo plenamente las consecuencias siempre reivindico en privado y en público a este enorme músico, fan acerrimo de los Beatles y George Martin, enorme arreglista de cuerdas, genio de la melodía y responsable de un buen puñado de fantásticas canciones en los casi 50 años de carrera que lleva a sus espaldas.
ELECTRIC LIGHT ORCHESTRA – TAKE ME ON AN ON (1983)
¿Que tienen en común Paul McCartney, Eric Clapton o Sting?
Además del talento innegable, las imposibles de disimular entradas en la azotea y una cuenta corriente que para ti o para mi quisiéramos, les une la devoción por esta interprete que no pudo quedarse mucho tiempo ni en el mundo de la música ni en el del común de los mortales. Falleció – qué palabra tan cursi – con tan solo 33 años.
Aunque había grabado con el pequeño sello Liaison Records y el dinosaurio Blue Note Records varios standards de jazz, r&b y gospel el reconocimiento que experimentó en vida fue casi anécdótico, injusticia que en el recurrido arte de hacer caja a título póstumo que caracteriza a la industria del discose remedió con el lanzamiento deEva by Heart al año siguiente de su muerte (1997).
La canción del primer vídeo escrita por Christine McVie (Fleetwood Mac) es tan solo una pincelada de la pequeña pero jugosa cesta de frutas que dejó esta interprete considerada como una de las voces más importantes de su generación.
EVA CASSIDY – FIELDS OF GOLD (1997)
Como anécdota que confirma que los ricos también lloran, Sting afirmó en una entrevista que no pudo contener las lágrimas al escuchar por primera vez esta versión que Eva grabó de su tema Fields of gold incluida en el álbum recopilatorio Songbird de 1998. La lectura que hace Cassidy es un misil tierra-aire directo al corazón.
Nunca llegó a registrar material propio ni fue excesivamente prolífica pero cada cover que hizo Eva Cassidy supone uno de esos extraños casos en los que la versión supera al original.
El príncipe de lo oscuro y lo siniestro, de lo violento y lo erótico.
Su banda primigenia y punkarra The Boys Next Door formada en su Australia natal se muda a Londres en 1980 cambiándose el nombre por The Birthday Party y ahí es donde empieza efectivamente la fiesta: Conciertos salvajes, ruido, art-rock desatado, alcohol y drogas duras como para escandalizar y enterrar a casi cualquiera, pero no a Nick Cave, que vuelve a transmutarse en los Bad Seeds y da paso a una etapa mucho más lírica y narrativa en contraste con el expresionismo anterior.
En 1996 toca techo creativo y da el pelotazo a nivel mundial con Murders Ballads, un compendio de canciones sobre asesinatos lleno de colaboraciones y donde Kylie Minogue lejos de arruinar la función está esplendida en esta «Donde las rosas salvajes crecen». Como «bonus track» ella además le haría compañía por un tiempo cuando se apagaban los focos.
Dos años después vendría el muy interesante The Boatman’s Call, una colaboración con PJ Harvey, el nacimiento de sus gemelos, el semi-retiro para seguir luchando contra las adicciones que arrastraba desde los 70 y otros discos menores que ya no han tocado los resortes comerciales ni emocionales que tocaron los anteriores.
Llaves que han abierto todas las puertas de la emoción y de la música contemporánea, fuente inagotable de inspiración para las generaciones actuales y venideras, puente entre distintas artes escénicas. Un ser enigmático, incomensurable, vanguardista, proto-punk, cabaretero, rey del soul, del glam, del ambient, del hard-rock, del dance-pop y de lo que le apetecía dictar en cada momento.
Ese es Bowie, el mito, el duque blanco, el hacedor de llaves entre todos los hacedores de llaves según esta encuesta del NME:
Una de mis debilidades y quizás el autor más complejo y enigmático que he conocido jamás. De ídolo de masas teen con los Walker Brothers a cronista en solitario con una discografía tan errante como inquietante. Capaz de crear tanto paisajes soleados como llenos de sombras este músico americano pero afincado en UK desde 1965 se ha movido durante décadas entre su pasión por Jacques Brel y la cultura europea y la experimentación más inquietante (lease sus discos Tilt o The Drift). Siempre valiente y orgulloso, este ermitaño con voz de barítono que nunca siguió caminos transitados es hoy en día una figura de culto a la que la crítica no le ha tratado hasta hace muy poco con la rotundidad que su aporte a la cultura del S.XX merecía.
Romántico en ocasiones, mortuorio en otras, siempre majestuoso, la escucha de al menos sus cuatro primeros álbumes debería ser de obligado cumplimiento para todo aquel que quiera experimentar hasta dónde puede llegar el poder y el impacto en el alma de una canción.
Imprescindible ver el documental ’30 Century Man’ del 2006 para adentrarse en el inagotable y en el fondo inasequible mundo de Scott Walker.
Bajo este nombre que bien podría ser el de una orquesta pachangera o un club de carretera se esconde Gary Usher, uno de los genios ocultos en la America hippie de finales de los 60. Sacó adelante este álbum llamado Present Tense como un autentico One Man’s Band con la colaboración de sesioneros de Los Ángeles y aunque fue un fracaso comercial cuando apareció en el mercado, hoy en día es altamente reivindicado gracias a los delicados arreglos de cuerday la indudable carga emocional y calidad que impregnan todas sus canciones.
Un disco de los que ya no se hacen para tenerlo siempre a mano.
Phil Angotti es desde los 80 uno de los nombres de referencia del Powerpop de Chicago, guitarrista de bandas como the Fleas, the Scuffle y Beatle Brothers formó a finales de la década su propia banda con el nombre de Phil Angotti & The Idea, proyecto con el que ha llegado a nuestros días.
Han publicado desde entonces los albumes Sidesway smile, al que le siguieron Picturesque, Afternoon balloon,Flower Bomp (probablemente su obra maestra hasta el momento) y G. Elvis is still live. En 2003 sale Too late tomorrow que recopila el trabajo anterior.
Gran conocedor del Rock & Roll clásico su fuerte es no obstante la enorme capacidad para volarte la cabeza con su delicada voz y la ternura de unas melodías por las que cualquiera mataría.
Si eres fan como él de los Zombies y los Beatles ya imaginas el maravilloso terreno común por donde pisas.
El descubrimiento recientede esta banda se lo debo a Silvia, ella ha sido a la vez mi gran descubrimiento en la jungla de las redes sociales que me han regalado una amiga con la que compartir grandes melodías, una buena dosis de risas y una complicidad cibernética que día tras día me resulta mucho más que reconfortante.
Nacidos en el programa británico Later…with Jools Holland cuando aún no tenían disco en el mercado han publicado hasta la fecha dos albumes como dos soles que han sido destacados entre los mejores de año por la revista Q y los periodicos The Guardian y The Independent.
Habituales del festival de Glastonbury aún se circunscribe el alcance de esta banda a poco más que las islas británicas, pero con el buen puñado de canciones que ya han escrito y a poco que siga lloviendo en Inglaterra el panorama promete.
Nacido cuando los sesenta exhalaban su último aliento este creador americano debutó en solitario en 1996 con un notable single de éxito, pero pasado el hype mediatico inicial pronto se refugió en producciones de bandas sonoras y musicales de Broadway a la vez que iba dando lustro a su curriculum con brillantes álbumes en ocasiones de tinte experimental.
Esta canción pertenece a su quinto disco titulado White Limousine en el que explotó como orfebre de pop pluscuamperfecto. Las melodías, el timbre de su voz, los arreglos orquestales… todo es sencillamente arrebatador.
Líder de los hoy olvidados The Loved Ones y The Kinetics este songwritter americano despegó despues de un largo camino hacia el Olimpo de los elegidos en el 2002 con su primer album, pero no sería hasta Game Preserve que se editó en 2003 y al que le siguió Maroon Cocoon en 2005 y Palaces en 2008 cuando su nombre entró a formar parte de la élite de los cantautores eléctricos intimistas americanos que tanto prensa como público adoran. Como suele ser norma habitual y gracias a giras por la vieja Europa fue esta quien les descubrió su tesoro antes de ser profeta en su tierra.
Un gusto exquisito y una visión poliédrica del pop son sus señas de identidad más aplaudidas, pero sus hallazgos y virtudes catalizando un montón de géneros e influencias en cada disco resultan inagotables.
Davenport no debe ser muy partidario de las vacaciones por que se le puede ver también como cantante del grupo Honeycut y es miembro de Incarnations, que publicaron disco el año pasado con el sello español Lovemonk.
En 2011 ha publicado Searching for Bart Davenport que funciona como homenaje en forma de versiones a canciones que le ayudaron a encontrar su identidad en el proceso de aprendizaje.
Un fantástico tipo con más olfato incluso que nariz.
Describen su trabajo en Myspace como «Música que le gusta también a tus padres» y aunque así en principio suena a declaración de intenciones poco sugerente (incluso a contracorriente para las nuevas generaciones que se rebelan contra todo lo que les recuerda a sus mayores) tiene todo el sentido el planteamiento. Nacieron con vocación atemporal y beben sin descaro pero sin atisbo de plagio en los grandes clásicos del género.
Este dúo noruego tiene la capacidad de crear canciones que pudieron ser escritas en los 60 o en cualquier noche estrellada de verano del año pasado. Formas cristalinas tejidas al igual que un artesano compone sus piezas a mano con el mayor mimo y donde armonía y melodía se entrelazan para formar pequeñas gemas de delicioso folk-pop intuitivo y altamente disfrutable. Una especie de Simon & Garfunkel de la era Belle & Sebastian.
Mientras este proyecto ha ido ganando un buen número de devotos a su paso uno de sus integrantes lanzó en el año 2006 una banda paralela llamada «The Whitest Boy Alive» que parece está siendo su pasaporte de entrada en las listas británicas y la manera de pagar las facturas, que el incienso no lo regalan.
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